2008년 개봉한 영화 <오스트레일리아>(Australia)는 호주의 역사적 배경 속에서 펼쳐지는 한 여성의 성장과 사랑, 원주민 소년과의 유대, 그리고 대지와의 연결을 그린 감성 대서사극이다. 바즈 루어만 감독의 화려하고 과감한 연출 아래, 니콜 키드먼과 휴 잭맨이 주연을 맡아 현실과 로망을 넘나드는 서사 속으로 관객을 초대한다. 이 영화는 단순한 로맨스나 액션 영화가 아니라, 호주의 아픈 역사와 자연, 그리고 다문화적 갈등을 통합한 문화적 이야기다. 아름다운 영상미와 함께, ‘누가 이 땅을 소유하는가’, ‘가족이란 무엇인가’라는 깊은 질문을 던지며 감성과 이성을 동시에 자극하는 작품이다.
1. 광활한 대지 위, 낯선 여정에서 피어난 진짜 연결
<오스트레일리아>의 이야기는 1939년, 세계대전의 불안이 고조되던 시기에 시작된다. 영국 귀족 여성 사라 애슐리는 남편이 운영하던 호주의 대규모 목장 ‘파라다이스’를 정리하기 위해 낯선 땅을 찾는다. 그러나 그녀를 기다리고 있는 것은 남편의 의문사와 목장의 혼란, 그리고 원주민 소년 눌라의 존재다. 사라는 처음에는 이 모든 것에 어리둥절하고 불쾌해하지만, 점차 호주의 땅과 사람, 삶에 동화되어 간다.
사라가 만나는 ‘드로버’(휴 잭맨)는 자유로운 영혼의 소 떼 몰이꾼이다. 그는 사라와는 전혀 다른 성격의 소유자로, 권위적인 태도와 계급적 사고를 가진 그녀를 경계한다. 하지만 두 사람은 수백 킬로미터에 달하는 소몰이 여정을 함께하며 점점 서로를 이해하게 된다. 이 과정에서 드러나는 드로버의 과거와 상처, 사라가 깨닫는 이 땅의 현실은 단순한 ‘로맨스’를 넘어선 인간적 접근을 가능케 한다.
이 영화에서 자연은 배경이 아니라 주체다. 광활한 붉은 대지, 말 떼가 내달리는 초원, 뜨거운 햇빛 아래에서의 여정은 인간의 작음과 자연의 거대함을 끊임없이 상기시킨다. 사라는 점차 도시 문명에서 벗어나, 땅과 연결되는 방식을 배워간다. ‘파라다이스’라는 이름에 걸맞은 이 목장은 그녀가 가진 편견과 두려움을 걷어내고 진정한 의미의 ‘소속감’을 느끼게 만드는 공간이 된다.
여정이 길어질수록, 이들은 서로에게 없어서는 안 될 존재가 되어 간다. 이때 사랑은 단지 감정의 교류가 아니라, 이질적인 두 세계—영국과 호주, 귀족과 노동자, 백인 여성과 원주민 문화—를 연결하는 다리 역할을 한다. 이러한 점에서 영화는 단순한 남녀 간의 관계를 넘어, 문화와 시대를 연결하는 상징적 의미를 내포한다.
2. 눌라의 시선: 역사 속 원주민 아이의 이야기
영화의 또 다른 중심은 원주민 혼혈 소년 ‘눌라’다. 그의 존재는 영화의 감정적 핵심이자, 호주의 아픈 역사를 직시하게 만드는 매개체다. 눌라는 백인 아버지와 원주민 어머니 사이에서 태어났으며, 정부는 그를 강제로 수용소에 보내려 한다. 이것은 20세기 중반까지 이어진 실존 정책, 이른바 ‘도둑맞은 세대(Stolen Generations)’에 근거한 서사이다.
이 정책은 혼혈 아동을 원주민 부모로부터 강제로 분리해 백인 문화에 동화시키려 했던 호주 정부의 동화주의 정책으로, 수많은 원주민 가족들이 파괴되었고 세대 간의 단절이 일어났다. 영화는 이를 눌라의 눈을 통해 감정적으로 풀어낸다. 눌라는 자유롭게 대지와 소통하고, 샤먼과 연결되어 있으며, 자연 속에서 살아가는 본능적인 감수성을 지닌 인물이다. 그러나 그는 언제든지 ‘잡혀갈 수 있는 아이’라는 위태로운 정체성을 안고 살아간다.
사라와 드로버는 눌라를 보호하며, 그와 가족 같은 유대를 맺게 된다. 사라는 눌라에게 점차 모성애를 느끼고, 드로버는 눌라를 통해 자신의 정체성과 과거를 재조명하게 된다. 이들은 혈연이 아닌 ‘선택된 가족’으로 뭉치며, 전통적인 가족의 의미를 확장시킨다.
영화는 눌라를 단순한 보호 대상이 아니라, 이야기를 이끌어가는 주체로 묘사한다. 그의 시선은 때때로 꿈과 현실, 전통과 현대를 넘나들며 신화적인 분위기를 형성한다. 이는 바즈 루어만 감독 특유의 연출 방식과 맞물려, 영화 전반에 **마법적 리얼리즘**의 느낌을 더한다. 눌라의 존재는 이 영화가 단순히 백인 중심의 드라마가 아님을 증명하고, 억눌렸던 원주민의 목소리를 중심으로 끌어올리는 역할을 한다.
3. 전쟁과 재난 속에서도 살아남는 사랑과 연대
영화 후반부는 일본의 진주만 공습 이후, 호주 북부 다윈에 대한 공습으로 전환된다. 목장은 불타고, 인물들은 뿔뿔이 흩어진다. 드로버는 자신의 자유를 지키기 위해 떠나고, 사라는 눌라를 다시 잃게 되며 깊은 상실 속에 빠진다. 이때 영화는 ‘누가 진짜 가족인가’, ‘무엇을 위해 싸워야 하는가’라는 보다 근본적인 질문을 던진다.
전쟁은 모두를 변화시킨다. 생존이 우선시되고, 사랑과 정의조차도 흔들리는 상황 속에서 인물들은 진짜 선택을 해야 한다. 사라는 눌라를 찾기 위해 정부와 맞서고, 드로버는 이전의 고립된 삶에서 벗어나 사랑하는 사람들을 구하기 위해 돌아온다. 이들의 재회와 구출 작전은 단순한 서사적 긴장감을 넘어서, 전쟁 속에서도 인간의 도덕성과 사랑이 어떻게 살아남는지를 보여준다.
영화는 이러한 전쟁의 참상 속에서도 눌라의 시선을 통해 희망을 남긴다. 눌라는 영화의 마지막을 장식하며, 조상과 땅, 자연과 연결되는 존재로 묘사된다. 그는 비록 혼혈이지만, 그 누구보다 호주의 대지와 연결되어 있고, 그 땅을 살아가는 존재로 정체성을 확립한다. 이는 단지 한 아이의 성장담이 아니라, 호주의 미래를 암시하는 상징적 메시지로도 해석될 수 있다.
바즈 루어만 감독은 이 모든 이야기를 화려하면서도 극적인 영상미와 함께 풀어낸다. 장대한 음악, 회화적인 촬영, 감정이 극대화된 연출은 호불호가 갈릴 수 있지만, 분명히 독창적인 영화적 체험을 제공한다. 전통적인 이야기 구조 안에서 새로운 문화적 메시지를 끌어낸 이 작품은, 현대 관객에게도 여전히 유효한 질문을 던진다.
결론: 요약 및 Call to Action
<오스트레일리아>는 단순한 멜로드라마나 전쟁 영화가 아니다. 그것은 사랑과 상실, 용기와 선택, 역사와 화해에 대한 이야기이며, 대지와 인간의 근원적 연결을 묻는 작품이다. 길고 장대한 러닝타임 속에 문화적 정체성과 시대적 갈등을 품은 이 영화는, 시각적 아름다움과 감정적 울림을 동시에 전달한다. 오랜 시간에 걸친 한 여정이 끝난 후, 관객은 스스로에게 질문하게 된다. ‘나는 지금, 어디에 소속되어 있는가?’, ‘진짜 가족이란 무엇인가?’ 그런 의미에서, <오스트레일리아>는 단지 감상하는 영화를 넘어, 함께 살아내는 이야기다.